Anna Boghiguian, Sail & Boat, 2018, Courtesy of the artist and Sfeir-Semler Gallery Hamburg/Beirut


What Painting might be

Participating artists: Firalei Báez, Semiha Berksoy, Anna Betbeze, Anna Boghiguian, Hugo Canoilas, Beatriz González, El Hadji Sy, Donna Huanca, Helen Johnson, Lee Kit, Victor Man, Thao Nguyen Phan, Khalil Rabah, Raphaela Vogel u.a.

“It is only through art that we can escape from ourselves and know how another person sees a universe which is not the same as our own and whose landscapes would otherwise have remained as unknown as any there may be on the moon.” (Marcel Proust, In Search of Lost Time, 1913)

With Carnivalesca we want to create a dialogue with a traditional art form: painting.For this approach, we have looked to the meaning of carnival, because it evokes exuberance, delight and, underneath it all, a certain uncertainty or even melancholy. While the phenomenon of carnival is generally associated with a Western Christian festive season, it has antecedents in antiquity and has undergone innumerable syncretic cultural transformations around the world. Interpretations of carnival present it as a social institution that degrades the higher functions of thought and the sacred realm of the soul by translating them onto the bodily and the grotesque, ultimately, to renew society and the world in which it appears. This may also be seen as a site to release the impulses that threaten the social order and the norms it regulates; and as a place where divergent social groups can focus their conflicts and incongruities. This exhibition aims to transfer this meaning onto a discussion about contemporary painting and its discourses.

Painting in the Western world seems to be governed by a number of unspoken rules that limit the impact it could have in our discursive environment. Famously, influential modernist art critic Clement Greenberg produced a rigid understanding of aesthetic experience and its autonomy which became the paradigm for Western painting after WWII, and which latently persists to date. To put it concisely, Greenberg’s theory inherently rejected the social role of art. Such an aesthetics of autonomy—what Benjamin H. D. Buchloh called Greenberg's "conservative formalism" 1—heavily affected how the purpose of painting was seen and received, and the effects of this shaped key features of the art market that we still see today.

When it comes to the discourse of painting, a reductionist conception seems to persist in the Western context. Painting is reduced to how it has been canonized in Western art history, and the concept of art that upholds this is overwhelmingly based on Western notions of the subject. Reduction is perhaps the oldest conceptual obsession of the Western world, it is both central to the centuries-old processes of individualization that center in on the anthropocentric and Eurocentric subject; and the cultural production that results from societies where such subjects are given central importance. We can oppose this with pluralism: ideas that foreground diversity of experience; with multiplicity in society and its social structures; and—with special regard to the arts in particular—with the idea of individual experiences in the multitude, community traits that are "hybrid, fluid, deterritorialized, and constantly moving"—as developed in the political thought of Michael Hardt & Antonio Negri as well as philosopher Paolo Virno.2 In short, with ideas that make room for an unstable subject: a multifaceted, polymorphic, pluri-discursive subject that takes shape at multiplied intersections, paving the way for a new intersubjective politics of seeing and experiencing painting.

As the title Carnivalesca suggests, this exhibition widens the scope to take a fresh look at painting, and to open up a discussion on a number of aspects commonly associated with the sphere of painting and the actions of the subjects we call “painters”. It aims to broaden views on painting to point out central, highly influential international artists and developments in the medium from the postwar period up to the present day; to highlight important advancements across generations of artists that that have stretched the boundaries of what painting can be, beyond its mere frame and canvas ground, pushing it into its social and political engagements; and to show the scene of contemporary international painting in the full light of its variety of artistic approaches, its diversity of discursive engagement with the medium, and the ways in which it gives shape to a multiplicity of individual expressions across cultures.

On a first basic level, this means to challenge the artistic legacy of what has been, in the past, canonized as early Modernist painting – works by artists who were predominantly, if not to say almost exclusively, white men from North America and Western Europe. Today we acknowledge that such a view of painting has been significantly decentered by art from many women and men of all cultures, and in all parts of the world. Their actions sum up to not one, but many art histories that have challenged for quite a while hegemonic ideas of art and its production. Artists from many different countries, cultures and traditions today show their work internationally. That old perception central to the Western art world, fetishized by a certain academic discourse, has no place in any valid narrative of what painting was and is.

Secondly, many artists working in painting nowadays concern themselves with real social and political issues – the kind that anyone could relate to. The human body, its sensations and all kinds of our fears attached to it are once again at the center of attention of many artists and much painting made today, challenging, from this vantage point, dominant principles of abstraction and aesthetic autonomy that perhaps are as strong today as they were in the days of high modernism. Contemporary art echoes the problems we face in our daily lives: how to act, how to think, what to believe. Contra to Greenberg, art is social for both artists and viewers, and the particular medium of painting is a critical form that can function as a means for socio-political commentary.

Lastly, it becomes clear that the story of painting must be told as a series of conflicts, arguments and contradicting developments, many of which remain potently unresolved until this day. Any attempt at understanding what painting might be has to account for this complexity of both historical and contemporary nature. This exhibition thus highlights the very different levels of engagement in painterly practices on equal footing, in the spirit of the Carnival, where any hierarchies are brought into question and a plural set of positions are present. We propose that painting is not a neat nor ordered discourse: Rather, what constitutes such a “medium” or “discipline” in today’s non-disciplinary field of art is a Carnivalesque space. One where performativity, bodies, artist-subjects and their gestures, as well as their plural, global histories of signification, are formally equal.


1 Benjamin H. D. Buchloh: Allegorical Procedures: Appropriation and Montage in Contemporary Art, in: ARTFORUM international vol. 21 / 1, September 1982, pp. 43–56, p. 47. Reprinted in id., Formalism and historicity. Models and Methods in Twentieth-Century Art, Cambridge/Mass. et al.: MIT Press 2015.

2 On the idea of multitude in the arts, see e.g. Pascal Gielen: The Murmuring of the Artistic Multitude. Global Arts, Politics and Post-Fordism, third, revised & extended edition, Amsterdam: Valiz 2015.

Wie ihr Titel schon andeutet, erweitert diese Ausstellung den Rahmen der Betrachtung, um einen neuen Blick auf die Malerei zu werfen und eine Reihe von Aspekten zur Diskussion zu stellen, die wir gemeinhin mit der Sphäre der Malerei und dem Handeln der von uns als "Maler" bezeichneten Subjekte assoziieren. Sie wird den Blick auf die Malerei erweitern und bedeutende, höchst einflussreiche internationale Künstlerinnen und Künstler wie Entwicklungen der Malerei von der Nachkriegszeit bis zur Gegenwart ins Zentrum der Betrachtung stellen, die in westlichen Veranstaltungsorten lange Zeit vernachlässigt wurden. Unsere Ausstellung wird wichtige Fortschritte hervorheben, die von ihnen und einer jüngeren Generation von Künstlerinnen und Künstlern gemacht wurden, die die Grenzen der Malerei weit über den bloßen Rahmen und die Leinwand ihrer Bilder hinaus verschoben und auf die Auseinandersetzung mit dem Sozialen und Politischen ausgedehnt haben. Und sie wird eine zeitgenössische Szene internationaler Malerei in der Vielfalt ihrer künstlerischen Ansätze beleuchten, die Diversität ihres diskursiven Engagements im Medium der Malerei demonstrieren und die Art und Weise, wie diese Malerei einer Vielzahl individueller Ausdrucksformen kulturübergreifend Form und Gestalt verleiht.

Auf einer ersten grundlegenden Ebene bedeutet dies, das Erbe einer in der Vergangenheit als Malerei der frühen Moderne kanonisierten Kunst in Frage zu stellen – die Werke von Künstlern, die überwiegend, wenn nicht gar fast ausschließlich, weiße Männer aus Nordamerika und Westeuropa waren. Heute anerkennen wir, dass ein solcher Blick auf die Malerei sich erheblich verändert hat durch die Kunst vieler Frauen und Männer aus allen Kulturen und allen Teilen der Welt. Ihre künstlerische Tätigkeit lässt sich nicht allein durch eine, sondern nur durch viele Kunstgeschichten begreifen, was bereits seit geraumer Zeit hegemoniale Vorstellungen von Kunst und Kunstproduktion in Frage stellt. Künstlerinnen und Künstler aus vielen verschiedenen Ländern, Kulturen und Traditionen zeigen ihre Werke heute international. Jene alte, für die westliche Kunstwelt zentrale Wahrnehmung, die ein bestimmter akademischer Kunstdiskurs fetischisierte, hat keinen Platz mehr in einer gültigen Erzählung darüber, was Malerei war und ist.

Zweitens beschäftigen sich viele Künstler*innen, die heute als Maler*innen tätig sind, mit realen sozialen und politischen Fragen - mit solchen, mit denen sich jeder Mensch identifizieren kann. Der menschliche Körper, seine Empfindungen und alle Arten von Ängsten, die mit ihm verbunden sind, stehen wieder einmal im Mittelpunkt der Aufmerksamkeit vieler Künstlerinnen und Künstler und vieler ihrer Gemälde, die heute entstehen. Von diesem Standpunkt aus fordern sie dominante Prinzipien von Abstraktion und ästhetischer Autonomie heraus, die möglicherweise heute noch genauso stark sind wie in den Tagen der klassischen Moderne. Die zeitgenössische Kunst spiegelt die Probleme wider, mit denen wir in unserem täglichen Leben konfrontiert sind: Wie wir handeln, wie wir denken und was wir glauben sollen. Im Gegensatz zu Greenbergs Thesen ist die Kunst sowohl für Künstlerinnen und Künstler als auch für Betrachterinnen und Betrachter sozial, und das besondere Medium der Malerei ist eine kritische Form, die als Mittel zur Kommentierung von Gesellschaftspolitik durchaus geeignet ist.

Schließlich wird auch deutlich, dass die Geschichte der Malerei als eine Reihe von Konflikten, Auseinandersetzungen und widersprüchlichen Entwicklungen erzählt werden muss, von denen viele bis heute in starkem Maße ungelöst sind. Jeder Versuch zu verstehen, was die Malerei sein könnte, muss dieser Komplexität sowohl in historischer als auch in zeitgenössischer Hinsicht Rechnung tragen. Diese Ausstellung beleuchtet daher die sehr unterschiedlichen Formen engagierter malerischer Praxis in gleichberechtigter Weise. Ganz im Geiste des Karnevals, der alle Hierarchien infrage stellt zugunsten einer Vielzahl von Positionen und Haltungen. Wir schlagen vor, die Malerei nicht als ordentlichen und strukturierten Diskurs zu betrachten. Was vielmehr ein solches „Medium" oder eine solche „Disziplin" im heutigen nicht-disziplinären Feld der Kunst ausmacht, ist ein karnevalesker Raum. Einer, in dem das Performative, Körper, Künstlersubjekte und ihre Gesten sowie ihre vielfältigen, globalen Geschichten und Bedeutungen formal gleichberechtigt sind.



1 In der Terminologie von Michail Bachtin (A. d. Ü.)

2 Benjamin H. D. Buchloh, Allegorical Procedures: Appropriation and Montage in Contemporary Art, in ARTFORUM international, Bd. 21/1, September 1982, S. 43-56 und S. 47. Nachdruck in Formalism and historicity. Models and Methods in Twentieth-Century Art, MIT Press, Cambridge/Mass. 2015.

3 „Multitude“ ist ein Begriff aus der politischen Philosophie: ein nicht homogenes Beziehungsgeflecht (A. d. Ü.).

4 Zur Idee der Multitude in den Künsten, siehe z.B. Pascal Gielen, The Murmuring of the Artistic Multitude. Global Arts, Politics and Post-Fordism, dritte, überarbeitete und erweiterte Auflage, Valiz Books, Amsterdam 2015.